Yang Yongliang est né en 1980 à Shanghai et vit entre cette ville et New York.

Formé très tôt à la calligraphie et à la peinture traditionnelle à l’encre, Yang Yongliang est diplômé de l’Académie des Arts de Chine à Shanghai en communication visuelle. Dès le début de sa carrière, il a cherché à lier l’art classique et l’art contemporain.

Il combine la photographie et les new media pour construire des paysages d’apparence naturelle, rappelant la peinture traditionnelle shanshui (« montagne et eau »), mais qui décrivent en réalité les effets du développement urbain en Chine.

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Sui Taca est né en 1984 à Qingdao et vit entre cette ville et New York. Il a étudié à l’Académie Centrale des Beaux-Arts (Pékin) et au Rochester Institute of Technology (États-Unis).

Dans sa vingtaine, Sui Taca a consacré une année entière à l’étude du Livre des Odes (Shijing), le plus ancien recueil de poésie chinoise connu.

Les œuvres de Sui suivent la nature elliptique des poèmes : ses images semblent suspendues dans une étrange attente. La série Odes a été acquise et exposée par le Metropolitan Museum of Art à New York en 2014. Ses séries plus récentes, Steles, Revealed et Grotto Heavens, revisitent également la civilisation chinoise.

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Luo Dan est né en 1968 à Chongqing et vit à Chengdu. Il est un photographe portraitiste et documentariste reconnu. Diplômé de l’Académie des Beaux-Arts du Sichuan, il a travaillé pendant des années comme photographe de presse avant de démissionner pour partir en Jeep, traversant la Chine d’est en ouest, de Shanghai à Lhassa, le long de la route 318, muni d’un appareil moyen format (China Route 318, 2006). En 2008, il reprend la route, cette fois du nord vers le sud (série North and South).

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Michael Cherney est né en 1969 à New York et vit à Pékin. Connu également sous son nom chinois Qiu Mai (« blé d’automne »), il réside à Pékin depuis 1991. Photographe et calligraphe autodidacte, son travail s’inscrit dans la tradition esthétique chinoise.

Ses photographies sont les premières à être entrées dans la collection du département d’art asiatique du Metropolitan Museum of Art (New York) et font partie des collections de nombreux musées tels que le Berkeley Art Museum / Pacific Film Archive, le Cleveland Museum of Art, le Getty Research Institute ou encore le Harvard University Art Museum.

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Edward Burtynsky est né en 1955 à St. Catharines (Canada) et vit à Toronto. Photographe internationalement reconnu, il se consacre depuis plus de trente-cinq ans à représenter les paysages industriels et les transformations de la nature par l’homme à travers le monde.

Ses explorations du paysage modifié par l’homme l’ont conduit en Chine dans les années 2000, où il a réalisé plusieurs séries photographiques mettant en lumière les conséquences humaines et environnementales de la modernisation.

Ses photographies grand format mêlent approche documentaire et créative, transformant les paysages en lieux paradoxaux où le calme et l’incertitude créent un sentiment de sublime. Sans condamner ni glorifier l’industrie, ses images permettent au public de comprendre l’origine des biens de consommation que nous utilisons quotidiennement et l’ampleur des transformations du paysage issues de notre quête de progrès — « regarder le paysage industriel comme une façon de définir qui nous sommes et notre relation à la planète ».

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Zhuang Hui est né en 1963 à Yumen, dans la province du Gansu, et vit à Pékin. Artiste conceptuel, il s’exprime principalement à travers la performance, la photographie et l’installation. Il a grandi auprès d’un père photographe itinérant au Gansu. Autodidacte, il a appris la peinture à l’huile auprès de son voisin après le lycée, parallèlement à son travail d’ouvrier d’usine. Zhuang Hui a commencé à fréquenter les cercles d’avant-garde au début des années 1990, époque à laquelle il a créé ses premières performances, très politiques.

Il s’est fait connaître à la fin des années 1990 grâce à ses portraits horizontaux de groupes d’ouvriers, d’étudiants et de citoyens. Très reconnu en Chine, Zhuang Hui a également participé à des expositions collectives au Yuz Art Museum (Jakarta), au Smart Museum of Art (Chicago), à la Pinacoteca Nazionale (Bologne) et au Musée d’Art Contemporain de Lyon. La plupart de ses œuvres, bien que prenant des formes et des médias variés, mettent en scène des interventions dans des lieux et des événements réels et interrogent le rôle de l’individu dans la société.

Chen révèle le réalisme brutal mais aussi la grâce poétique d’une nouvelle Chine en construction. Ses performances soigneusement mises en scène explorent les sentiments et la capacité d’adaptation des êtres humains vivant dans une société en plein bouleversement, ainsi que le conflit entre culture traditionnelle et contemporaine. Ces transformations sont-elles synonymes d’opportunité ou de perte ? C’est l’une des questions soulevées par Chen.

Elle s’exprime à travers la performance, la danse, l’installation, la photographie, la vidéo et la sculpture. Quel que soit le médium utilisé, ses œuvres prennent place dans les paysages post-industriels du Sichuan et trouvent leur source dans sa propre histoire – celle d’une femme chinoise dont la ville natale a été détruite par le projet du barrage des Trois Gorges.

L’idée de « foyer » est au cœur de son travail. Originaire de la région des Trois Gorges, Mu Ge s’est installé à Chongqing. Dans Going Home (2004-aujourd’hui), il documente les transformations radicales subies par les habitants de la région lors de ses retours au pays. Dans Ash (2009-2017), également photographié dans les Trois Gorges, il observe la nature et les traces laissées par le temps et l’histoire. Pour Behind the Wall (2013-2018), il a suivi la Grande Muraille sur des dizaines de milliers de kilomètres et visité des villages du nord, dressant le portrait de son pays natal à travers son symbole le plus puissant.

En 2019, Mu Ge a initié le projet éducatif Bow Wave avec les photographes Feng Li et Zhang Kechun.

Mu Ge on Photography of China
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Liu Ke est né en 1977 à Chengdu où il vit toujours. Il travaille en duo avec sa compagne Huang Huang. En 2019, ils ont remporté le Three Shadows Photography Award, l’un des prix photographiques les plus prestigieux de Chine, pour leur série Mirror.

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Jia Zhangke crée des films ancrés dans la réalité de la Chine contemporaine, jouant avec la frontière entre fiction et documentaire. Formé à l’Académie du Cinéma de Pékin, il appartient à la sixième génération de cinéastes chinois, dite « underground ».

Si sa caméra est toujours proche des personnages, l’espace est également un personnage à part entière dans ses films : la ville (Pickpocket, Unknown Pleasures, I Wish I Knew), le barrage des Trois Gorges (Dong, Still Life), ou un monde recréé en miniature (The World). En 2013, A Touch of Sin lui a valu le prix du meilleur scénario au Festival de Cannes.

Pour la série Coastline (2009-2013), Zhang Xiao a exploré les côtes chinoises. Son travail a rencontré un important succès public et critique en Chine comme à l’étranger, et lui a valu de nombreuses récompenses : le Hou Dengke Documentary Photography Award (2009), la Bourse du Talent (2010) et le Prix HSBC pour la Photographie (2011).

Il aborde les conséquences humaines et sociales de la modernité chinoise en combinant une approche documentaire et une recherche esthétique.

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Chen Ronghui a débuté sa carrière de photographe en 2011 après des études de journalisme. Son travail se concentre sur la place de l’individu et les questions environnementales en Chine. Dans Petrochemical China (2013) et Christmas Factory (2015), il explore les conséquences de l’urbanisation et de l’industrialisation dans le delta du Yangzi et la région du Zhejiang.

Dans Freezing Land (2016-2019), il réalise des paysages et des portraits de la jeunesse du Dongbei, l’ancienne « ceinture de la rouille » chinoise. Il a reçu plusieurs distinctions telles que le World Press Photo Award, le Three Shadows Photography Award et le Hou Dengke Documentary Photography Award. Il a été nominé pour le Prix Pictet et le C/O Berlin Talent Award. Il étudie actuellement à l’Université Yale aux États-Unis.

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Zhang Kechun photographie les paysages de la Chine contemporaine. Il s’est fait connaître grâce à sa série The Yellow River, réalisée entre 2010 et 2015. Il est lauréat du National Geographic Picks Global Prize (2008) et du Prix Découverte des Rencontres d’Arles (2014).

Il a participé à de nombreuses expositions en Chine (CAFAM, Beijing Photo Biennale) et à l’étranger (Photoquai, Rencontres d’Arles). Ses œuvres ont intégré les collections d’institutions telles que le Musée national germanique, le Musée d’Art de Baltimore, l’Académie centrale des Beaux-Arts de Chine, le Williams Museum et la Fondation Schneider.

zhangkechun.com
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