梵诗柯香 x 万⾥雅：千里江山

自职业生涯伊始，弗朗西斯·库尔吉安便将香水视为独立的艺术形式，一种通过与当代艺术持续对话滋养的敏感语言，他通过与跨领域创作者的杰出合作将其理念具象化：视觉艺术家（索菲·卡勒、萨尔基斯、扬·托马）、戏剧导演（西里尔·泰斯特）、设计师（菲利佩·里邦）、 米其林星级主厨（安妮-索菲·皮克）、指挥家（克劳斯·麦凯拉）及钢琴家（卡蒂亚与玛丽埃尔·拉贝克姐妹）。 在此背景下，Doors门艺受邀担任中国区艺术协调，肩负构思并实施艺术合作项目的使命，以实现香水理念的拓展。从艺术家调研与推荐到作品制作协调，Doors全程支持创作流程，并与梵诗柯香保持紧密协作。 品牌最终决定与当代中国艺术家兼陶瓷艺术家万里雅合作。其艺术创作探索传统文化、工业现代性与全球化之间的关系。他的作品植根于中国陶瓷数千年的历史，同时融入当代形式，与梵诗柯香的品牌价值观自然共鸣——姿态的精准、形态的纯粹，以及对时间与工艺的深切敬意。 为本次展览，万里雅构思了一件大型场地特定装置，专为展厅空间量身打造。艺术家以品牌标志性香水瓶及产品为原型的陶瓷造型为媒介，将这些熟悉的物件重新诠释为雕塑模块。这些模块组合成11米长的浮雕带，在空间中如连续的景观般徐徐展开。 这件艺术装置直接汲取了宋代最负盛名的杰作之一——王希孟（1096–1119）所作《千里江山图》的灵感。这幅标志性山水画作传统上绘于绢上，需通过从右向左徐徐展开的动作方能观赏。此处，万里雅将其转化为全新的材质语言——舍弃绢本，转而采用瓷器这种既脆弱又持久的材质，它与中华历史及传承理念有着深厚渊源。 这批瓷瓶诞生于艺术家位于陶瓷发源地景德镇的工作室，261件瓷瓶各自承载着风景的碎片。艺术家将原画卷的纹样精心移植到这些立体器皿上，采用专为本作品研发的定制钴蓝，其深邃与鲜活的质感，恰似传统中国画的韵味。 万里雅将古典山水画与当代香水瓶的剪影相融合，促成了传统与现代、自然与工业、实用器物与艺术品之间的对话。这种形式与象征的混合性，恰如其分地映射出弗朗西斯·库尔吉安对香氛的理解——将其视为一种能够讲述故事、跨越时代、重新连接个体与环境的文化媒介。 该作品在法国巴黎东京宫的首次展览 2025年10月29日至11月23日，东京宫举办了回顾展《香水：无形的雕塑》，谨以此纪念香水设计师弗朗西斯·库尔吉安三十年的创作生涯。由杰罗姆·纽特雷斯策划的展览，带领观众沉浸式体验这位革新当代香水创作理念的艺术家的思想与作品。弗朗西斯·库尔吉安将香水从瓶中解放，拓展至艺术、文化与感官的新疆域，使创作立足于艺术、工艺与体验的交汇点。 由Doors门艺统筹的装置作品制作，需要艺术家和梵诗柯香协作。Doors门艺全程支持项目每个阶段，从艺术构思到制作、流程管理，直至最终在展厅空间完成整合。 作为回顾展的核心展品，万⾥雅的装置既是汇聚点，亦是开放的视野——这件艺术品将香水世界与当代艺术的碰撞具象化，同时引导观众反思工业时代人类与文化遗产及自然景观的关系。通过此次合作，梵诗柯香、艺术家与Doors门艺共同彰显了以卓越品质、跨文化对话及形式的感染力为根基的创作理念。 Voir cette publication sur Instagram Une publication partagée par Maison Francis Kurkdjian (@maisonfranciskurkdjian) Voir cette publication sur Instagram Une publication partagée par Maison Francis Kurkdjian (@maisonfranciskurkdjian)

聚焦突尼斯：Menart Fair 2025

“我们每个人都需要他者的记忆，而这并非出于怜悯或施舍的善意，而是一种在‘关系’之中获得的新的清醒。如果我们想要分享世界的美，同感世界的苦难，我们必须学会一起去记住。” ——爱德华·格里桑（Édouard Glissant），《世界的新区域·美学卷 I》（Une nouvelle région du monde. Esthétique, I） 《持之以恒，金石可镂（Le temps creuse même le marbre / الدوام ينقب الرخام）》 群展由法国滨海塞纳省文化部出品，并于去年夏天首次在瑞米耶日修道院（Abbaye de Jumièges） 展出。如今，它将第六届Menart Fair艺博会移师巴黎，在玛黑区一座历史工坊的穹顶之下展示一系列精选作品。 展名的灵感来源于一句突尼斯谚语，它可以对应到中文成语里的“水滴石穿”。它象征着微小而持久的力量——那些并起眼、却持之以恒的举动，最终能够改变看似牢不可破的现实。本次展出的艺术家们，他们不讲述宏大的叙事，而是关注起那些被忽视的片段：微观故事、口述传统、民间记忆。他们共同探入集体记忆的暗处，探索着那一片在“存在”与“消逝”之间游移不定的空间。 我们不妨将这些艺术家的创作方式称之为“感性考古学”：他们挖掘历史的层层沉积，唤醒被遗忘的痕迹，揭示流动的现实。通过摄影、影像、纺织、马赛克、刺绣、玻璃绘画与行为艺术等多种媒介，他们让传统工艺与当代语言交织在一起，让那些在西方艺术史中被边缘化的技艺获得新生。 他们的作品不仅为被忽略的群体重新发声，并且解构殖民与父权的刻板叙事，将个人经验与政治意识交织在一起。无论是对“幽灵档案”的拼贴、对旧服饰的改造，抑或是围绕针线的片段对话，记忆总是以残缺、跳跃的形式出现，由不在场与留下的痕迹共同滋养。 这一精选展的精神，与瑞米耶日修道院群展的一脉相承：当历史的喧嚣退去，我们选择凝视那些残留的片段。正如马提尼克作家爱德华·格里桑笔下的迦太基（Carthage）——这座象征了思想之“混融（créolisation）”的古城——，这群突尼斯的艺术家们也用他们的创作回应着正在碎片化的世界：他们的身份在不断重组之中，产生着摩擦、沉积以及富有张力的碰撞，他们以感性的方式书写了一种新的共生美学。 展览信息 Menart Fair 2025Galerie Joseph, 116 rue de Turenne, 75003 Paris 开放时间： 开幕酒会： 圆桌论坛： 展览图录 本展英法双语图录由突尼斯出版设计工作室Bao Books合作出品。该图录于瑞米耶日修道院群展期间首发，并将在Menart Fair全程现场发售。 法国发售书店： 📍Librairie Petite Égypte, 35 Rue des Petits […]

2025巴黎不眠夜：莱奥·纳塔夫在无辜者之泉

无辜者的祭坛 (Autel des Innocents) 莱奥·纳塔夫为2025巴黎不眠夜创作的装置艺术 作为他在巴黎的首次现场创作，莱奥·纳塔夫将“无辜者之泉”（Fontaine des Innocents）转化为一个融合感官与历史的过渡空间。通过结合声音、光线、雕塑与烟雾的装置艺术，他将带领观众踏上一段追溯城市起源的旅程，回到公元前4000年的美索不达米亚。 2025年6月7日 | 无辜者之泉 | 晚上7点起向所有人开放 声音设计：乔纳斯·兰德曼（Jonas Landman） 策展及文字：零零Victoria Jonathan (Doors 门艺)  协调：巴黎不眠夜团队 – 巴黎市政 制作：ARTER 不锈钢雕塑与金属结构：S-Concept 海报设计与动画：伊丽斯·埃尔克拉斯利（Iris Elkeslassy） 回到最早的城市 大约6000年前，在美索不达米亚（今伊拉克、叙利亚部分地区、科威特及土耳其东南部），首批城市（乌鲁克、拉尔萨、巴比伦）相继出现，并建立了公共行政体系、法律制度、文字系统、水利工程以及创世神话。莱奥·纳塔夫将这一原始转变——人类成为城市居民的时刻——重现于巴黎心脏地带。 该装置的配乐由乔纳斯·兰德曼（Jonas Landman）与艺术家合作创作。他们从已知最古老的音乐作品中汲取灵感：一首刻于亚述泥板上的3500年前宗教赞美诗。这段长达十分钟的声景循环，融合了乌德琴与合成器通过计算机软件操控的音效，与彩色光效及喷泉顶端升起的烟雾完美同步。水与火、液体与蒸汽的对比，以及随声音变化而呈现的色彩与强度的波动，强化了作品的仪式感与神秘性，形成一个令人沉醉的循环，邀请观者沉浸其中。 璀璨的雕塑、混合生物与仪式器具 穹顶周围，镜面抛光的不锈钢雕塑点缀着喷泉。艺术家从文艺复兴时期纪念碑上雕刻的水仙女和海神中汲取灵感，重现了美索不达米亚神话中首批混合生物： griffins（狮鹫）、chimeras（奇美拉）、cerberuses（三头犬）、鸟女，以及半兽半神的人物，这些故事代代相传，滋养了埃及、希腊和北非的神话。这些反射表面捕捉光线与观者的动作，营造出若隐若现的视觉效果。 这些混合形态与仪式物件交织：由法特玛双手塑造的烛台、柏柏尔式胸针、手工制作或收藏的艺术品，常受艺术家家乡北非文化启发。每个元素都成为连接时空的桥梁，连接神圣想象与日常物件。对于莱奥·纳塔夫而言，这是召唤普世符号、打破叙事壁垒、在精神世界中开启对话的创作实践。 无辜者之泉：城市层叠的缩影 作为巴黎的标志性地标，无辜者喷泉本身就是一座层叠的城市画卷。这座喷泉建于1549年，由皮埃尔·莱斯科特设计，让·古容雕刻——后者因其与古希腊著名雕塑家菲迪亚斯的相似而被称为“法国菲迪亚斯”——它是巴黎现存为数不多的文艺复兴时期喷泉之一。其浮雕中的水仙女和仙女形象现陈列于卢浮宫。 这座喷泉建于“无辜者公墓”旧址上，历经数百年风雨，历经多次改造：曾矗立于圣婴教堂（现已拆除）旁，后成为市场中心,19世纪在巴尔塔尔市场（Halles Baltard）建设期间被迁移并改建，最近为奥运会修复，成为城市变迁的缩影。正是这种历史沉淀吸引了莱奥·纳塔夫：“从死亡中出发，走向一种活着的死亡”。喷泉因此成为可见与不可见世界、过去与记忆之间的门槛。 诡异的死亡：从巴黎公墓到海地巫毒教 在海地，这位艺术家十年前曾与一家志愿者协会合作，担任艺术教师。在那里，墓地不仅仅是安息之地：它们充斥着物品、仪式和力量。海地伏都教——常被误解为一种黑魔法——本质上是一种融合了非洲传统、天主教以及本土和欧洲影响的混合宗教。 莱奥·纳塔夫从僵尸的神话中汲取灵感，这些暂时死亡的生物被埋葬后又重新复活，并将这一主题与喷泉的意象相联系。他看到了一种类比：一座自2017年以来一直干涸的纪念碑，为奥运会重新启用，其水流——以及记忆——开始重新流动。在伏都教中，僵尸化是通过下毒使受害者陷入昏睡状态；一旦被唤醒，他们便处于麻木状态，成为巫师的奴隶，一个没有灵魂的身体。在这种视角下，不死者并非怪物，而是遗忘与自我剥夺的强大隐喻。这恰如其分地比喻了一座城市，人们行走于历史之上，却不总能看见它。 巴黎之旅 莱奥·纳塔夫的装置作品是一场旅程：地理的、历史的、象征的。“我总是从某个特定的地方开始，进行一次时光倒流的旅行，”他解释道，“我前往某个地方，进行调查，剥离历史的层层包裹。” 无论是在伊拉克面对古代废墟、ISIS弹壳，还是在岩石上雕刻的萨达姆·侯赛因肖像，抑或是在巴黎一座旧墓地遗址，艺术家都在过去与现在之间建立联系。他唤起多重记忆，交织不同时代，模糊神圣与世俗的界限。在“无辜者之泉”前，他反思城市本身——其起源、层叠与幽灵。这件兼具声学、雕塑与光影特质的作品，在古代历史与当代紧迫性之间展开对话，质疑在现代城市中，哪些元素仍回响着最初人类文明的回声。 艺术家简介 莱奥·纳塔夫是一位视觉艺术家，1994年出生于巴黎。他毕业于伦敦圣马丁艺术学院，目前生活和工作在圣但尼。他对人类学充满热情，其创作风格贯穿于自身文化与他者文化、个体故事与集体历史之间的探索。 无论是追随被驱逐出北非的犹太家族的足迹，还是沉浸于亚马逊雨林中最后的狩猎采集社会，莱奥·纳塔夫都会从旅途中带回各种物件，这些物件或影响、或直接融入其多元化的艺术实践，而这种实践又以混合材料为养分。 他曾参与1-54（纽约）和布鲁塞尔陶瓷博览会、泛美双年展、达拉拉节（巴黎），以及在3537（巴黎）、杜蒙泰尔与克拉维美术馆（巴黎）、阿加尔酒店（卡瓦隆）和布尔利亚画廊（伦敦）举办的展览。莱奥·纳塔夫是集体组织La Kasba的联合创始人，该组织在巴黎的非传统场地举办DJ之夜，庆祝北非文化。 个人网页： https://leonataf.com/ Instagram : @leonataf

持之以恒，金石可镂 الدوام ينقب الرخام

本次群展与瑞米耶日修道院的遗址相呼应，汇集了来自突尼斯当代艺术界上的11位艺术家。他们以历史和记忆为主题，探索各种形式的图像。 展览标题来自突尼斯的一句谚语，中文对应说法为“水滴石穿”，即小事积少成多，最终会产生巨大的影响。  尽管展出的作品涵盖了从迦太基到殖民时期、从2011年革命到当代移民的各个时期和地点，但本次展览并非旨在详尽突尼斯的摄影界。相反，它旨在促进不同世代的艺术家之间的对话，通过档案、痕迹、仪式、遗迹和废弃场所来探索被遗忘的过去。    来自报纸上照片的墨迹标志着曾揉搓报纸的手，非法移民过境后随海水冲上扎尔齐斯海岸的物品，见证祖先仪式、代代相传的服饰，在阁楼里发现的祖先剪影几乎被溴化银抹去……通过探索平凡的生活和微观历史，艺术家揭示了米歇尔·福柯所说的“历史的另一面”：一切脱离了以重大事件和主导人物为中心叙事的东西。  在这场与过去的对话中，艺术家们不仅通过图像直接表达，还尝试掌控图像并进行改造。蓝晒法、干版摄影、16毫米胶片、数字图像与其他媒介（表演、装置、雕塑、视频、绘画）或工艺（刺绣、马赛克、玻璃画）相结合。对图像进行揉皱、叠加、缝合或投影，成为艺术家探索与物质世界联系并揭示其多重感官维度的一种手段。 除了媒介，这些艺术创作还旨在解构传承下来的想象力。它们挑战与殖民、人类对自然的影响、父权统治和排斥少数群体有关的刻板印象。它们为女性传统、移民以及政治和社会斗争重新赢得一席之地，同时质疑数字时代图像的变革。摄影在解放工具和统治工具之间摇摆不定，而聚集在此的艺术家们则改变了摄影的用途：他们重新利用古老工艺，打破可复制性，甚至摆脱摄影器材的束缚。在图像无处不在且经常被操纵的时代，他们质疑人们对图像真实性的信念及其工具化。  通过质询塑造集体记忆的表象，这些艺术家解构摄影，以唤起人们的怀疑，揭示多重且不断变化的现实。他们采用准考古学的方法，表明一切事物都在不断变化，没有什么是永恒不变的。正如爱德华·格里桑（Édouard Glissant）所言，迦太基的身份是通过文化交融（或更确切地说是“克里奥尔化”）而形成的。他们用形式与文化之间丰富的互动来对抗碎片化的世界，肯定了流动和变化的身份。  相关活动 表演 Wled el Machta | 玛赫塔的孩子们 视觉艺术家阿米拉·拉姆蒂（Amira Lamti）在展览中呈现的作品探索了玛赫塔（萨赫勒地区传统婚礼上为新娘做准备的女性）的姿态和象征意义。基于此，阿米拉·拉姆蒂和舞蹈家兼编舞家罗什迪•贝尔加斯米（Rochdi Belgasmi）创作了一场结合舞蹈和诗歌的表演。这场表演对突尼斯民间舞蹈中的性别表现和集体想象力的传递提出了质疑。 本表演与诺曼底Terres de Paroles文学节、突尼斯法国文化中心和巴黎La Villette公园合作。 5月16日（周五）和5月17日（周六）晚上8点至8点半   免费，需预约 | Terres de Paroles文学节售票处   瑞米耶日修道院 | 室外  展览图录发布 Tuntun Party 在Grand Amour酒店（巴黎）书吧餐厅   展览图录发布会由策展人Victoria Jonathan零零和艺术出版人Moez Akkari共同举办，庆祝展览的顺利开幕以及展览图录的成功出版。活动包括多位在展艺术家出席的签售会、由厨师Elyes Lariani准备的晚宴以及DJ表演。 展览图录：双语（法语和英语），将于2025年5月与Bao Books出版社和突尼斯编辑设计工作室合作出版。 5月21日（星期三）| 下午7点至凌晨2点   免费入场，需预约   晚餐，需预约| 01 44 16 03 30   地址：Grand Amour 酒店书吧餐厅（Book Bar） | […]

从柯罗到印象派：现代风景绘画的诞生——法国兰斯美术馆馆藏经典  

兰斯美术馆位于法国香槟大区首府，是19世纪法国风景绘画最大的收藏者之一。《从柯罗到印象派：现代风景绘画的诞生 》是首个完全由其收藏构成的展览。在英国建筑师大卫·奇普菲尔德（David Chipperfield）对美术馆进行翻修期间，其精品典藏得以有机会前往中国展出。 风景画传统上被视为下层社会的一种艺术类型，然而，19世纪法国风景绘画因一批革新的艺术家和艺术运动的涌现，以及法国大革命后现代社会的建立而获得认可。该展览通过兰斯美术馆收藏的杰作，勾勒了19世纪法国风景绘画的发展历程，从柯罗到巴比松学派，再到印象派。 活跃于 19 世纪上半叶的风景画家们从荷兰和英国的风景中找到了灵感的主要来源。1830 年至 1855 年间，他们中的许多人在枫丹白露森林边缘的巴比松村创作。 卡米耶·柯罗（1796-1875）是其中最重要的、也是最早坚持在野外作画的画家之一。他描绘的晨雾中颤动的树影、暮色里平静的湖面，既延续了古典构图，又迸发出对自然的直觉捕捉，新古典主义的理想美与户外写生的新鲜气息奇妙共生，为后来者铺就了走出画室的道路。值得一提的是，法国兰斯美术馆拥有第二大体量的柯罗作品收藏，仅次于卢浮宫。 以西奥多·卢梭为核心的巴比松画派用颜料定格静谧乡野、质朴村舍与劳作身影，着力于记录自然本身生长、消亡的过程。印象派的视觉革命以未调和的纯色、粗粝的笔触直接描绘变幻光影下城市和乡村的印象，为风景绘画带来了现代性体验的转译。 本次展览展出了 66件兰斯美术馆馆藏作品，涵盖了从柯罗到后印象派的多位画家，反映了不同时代、流派的风景绘画，为我们呈现了现代风景绘画的诞生、发展的历程。 从法国兰斯到中国武汉 兰斯美术馆馆藏经典将于 2025 年 5 月 16 日至 8 月 17 日在湖北省博物馆（武汉）展出。 目前，兰斯美术馆正在进行大规模的翻修与扩建，工程预计于 2027年完成。尽管如此，美术馆仍继续在法国及海外举办各种外展活动。在Doors门艺文化艺术事务所邀请下，美术馆自 2021年起策划了这个展览项目，并通过与湖北省博物馆的合作最终实现了这一展览的成功落地。 兰斯美术馆距离兰斯圣母大教堂仅几步之遥，是法国馆藏最为丰富的博物馆之一。博物馆成立于1794年，至今已汇集了从文艺复兴时期到20世纪的数千件作品，2018年吸引了36130名游客。 湖北省博物馆位于武汉，是中国最著名的博物馆之一。该博物馆矗立在美丽的东湖边，于 1956 年开馆，展示了湖北一些令人难以置信的考古发现。自创建以来，博物馆已收藏了 20 多万件文物，包括陶器、瓷器、玉器、青铜器、古代兵器和古代乐器。

潮汐，是的，呼吸 (Tides, yes, breathing)

我的作品一直在调整我与世界之间的距离，让遥不可及的存在变得触手可及。对于那些过于接近而无法聚焦的事物，我通过创造更远的距离来使它们变得可见。 在中国，通过风景来表达情感可能是一种传统，身体和身体的气场也被描述为风景。情感和情绪被深深地隐藏并编码在各种风景之中。 嵇康是一位才华横溢的艺术家，出生于公元三世纪中期，他的同辈作家是这样描述他的： “他像一棵孤独的松树一样骄傲而独立；但当他喝醉时，就像一座即将倒塌的高耸玉山。”“他就像松树间风拂过时发出的沙沙声，高亢而舒缓。” 我试图捕捉那些无法捕捉的事物。捕捉流动的感觉，捕捉流动。当我们谈论身体时，身体不仅仅是身体，它也是其他事物的载体。 我是另一个。 山可能会离开。潮汐，是的，呼吸…… 文：刘树伟 展览景观 简历 刘树伟目前居住在上海。他接受过工程学方面的培训，2009年从广东工业大学毕业后，他决定从事自己真正热爱的事业：摄影和写作。 刘树伟的摄影作品就像心灵风景。文学和电影（尤其是让·热内和德里克·贾曼的作品）给了他极大的灵感。他的角色，无论作为朋友还是孤独者出现，都充满神秘感，他们穿越月球景观或被善良的灵魂困扰的房屋内部，就像在Wim Wenders的影像中一样。就像他崇拜的德国电影制作人一样，刘树伟以明亮的色彩开始，并用他自己的诗歌赋予其活力，这些诗歌与他似乎深爱着的人非常接近。 他的作品在国际上展出，包括在上海当代艺术博物馆、博洛尼亚艺术博览会、三影堂摄影艺术中心、Vu Photo。刘树伟是2016年LensCulture肖像奖和2019年英国摄影杂志“值得关注的摄影师”的入围者。他的作品在《纽约时报》、《i-D》、《艺术论坛》、《Der Greif》等杂志上刊登。 他的作品还经常刊登在时尚杂志上（《Vogue》、《周末画报》、《T》杂志……），并与国际品牌（普拉达、宝缇嘉）和本土设计师（Momo Wang、Chaotic、Pure Idealism）有过合作。 圣日尔曼摄影节 每年11月，圣日尔曼摄影节都会召集精选的博物馆、文化中心、画廊和书店，展示丰富多样的摄影作品——这是由相关画廊和机构以及艺术节团队共同提议的，通过新的展览来呈现。所有这些活动都涉及当代摄影的主要趋势，并对摄影的推广和传播方式提出质疑。 摄影节扎根于巴黎第六区圣日耳曼德佩区，该地区历史悠久、文化底蕴深厚，摄影节旨在将构成这一地理区域的所有参与者聚集在一起。 该摄影节创立于2010年，自2015年起由艺术史学家奥雷利亚·马尔卡迪耶（Aurélia Marcadier）担任总监。奥雷利亚曾在一家画廊出版社工作了六年，并于2013年创立了TEMPLE，一家致力于新兴摄影和出版的公司。她多年来一直得到Justine Lacombe和Laura Martin的协助。董事会由图像专业人士组成，包括奥赛博物馆摄影和电影部门首席策展人Marie Robert和Doors门艺文化艺术事务所联合创始人兼总监零零。除了刘树伟的展览外，零零还定期策划摄影节的展览，例如2021年的冯立。