重生 – 邂逅自然
复兴和环境意识是本次”重生”展览的主题。尤其是今天，那些促成人与自然相遇的元素——如水、云、石头、灰尘、火、植物等——是基于主题之上，本次展览的核心。 蔡冠深文化交流中心位于北京市郊、作为一所由20多万块砖及自北京清代四合院回收的木梁所建造的别院，蔡冠深文化交流中心位于肉眼所及的北部自然生态和南部众多的城市摩天大楼之间，其目的是将其文化计划与环境承诺联系起来。 机构合作伙伴：法国驻华大使馆、法国文化中心、2022年中法文化之春、欧盟驻华代表团、欧盟文化中心合作组织中国群组 伊山·贝哈达（Hicham Berrada） 伊山·贝哈达，1986年出生于摩洛哥卡萨布兰卡。目前工作、生活于法国巴黎和鲁贝市。 伊山·贝哈达接收了来自艺术和科学两个学科训练的双重滋养，其作品结合直觉和知识、科学与诗歌。 从在摩洛哥的童年时代起，贝哈达就沉浸在父母的岩石和菌类的专业地图集中。从小到大，他一直对自然的创造着迷。 在他的作品中，他探索科学原理，力图真实模拟不同的自然过程和/或气候条件。 “我试图控制我所调动的现象，就像画家控制他的颜料和画笔一样。我的画笔和颜料即是温度、磁力和光”。 贝哈达的作品曾在多场个展和群展中展出，其中重要展出机构有蓬皮杜中心（巴黎）、东京宫（巴黎）、纽约现代艺术博物馆PS1分馆（纽约）。 伊山·贝哈达于2020曾被提名马塞尔杜尚奖。 他目前由巴黎kamel mennour画廊代理。 艺术家的个人网站 范雅 · 布坎（Vanja Bucan） 范雅·布坎，1973年出生于斯洛文尼亚新戈里察，目前在柏林生活和工作。 作为环保活动家和积极人士，摄影是布坎实践自己环保信念，并将其转化为所有人都可触及的视觉呈现的方式。在作品中，她深刻质疑人与自然之间的关系，其大部分项目都围绕她对自然的看法以及人类征服自然的方式展开。 在职业生涯中，布坎获得了众多奖项，发表出版物，参与展览，她是当今国际上最知名的斯洛文尼亚艺术家之一。布坎获得的奖项包括Lens Culture年度评论家选择奖（2020 年）、丽水摄影节优秀摄影师奖（2019 年）、伦敦重生摄影奖（2016 年），以及百达奖提名（2019 年）。范雅 · 布坎由卢布尔雅那市Galerija Fotografija画廊代理。 艺术家的个人网站 夏洛特·沙博内尔（Charlotte Charbonnel） 夏洛特·沙博内尔，生于1980年，目前在巴黎生活和工作。 “几年来，夏洛特·沙博内尔似乎想要编织无形的链接，将宇宙的基本材料结合在一起。她的工作源于具有多种投入的实证研究：聆听和捕捉材料或自然现象，探索物质的不同状态，对难以捉摸的物质进行细致观察……” 娜塔莉·德斯梅特 (Nathalie Desmet) 艺术家通过装置和雕塑触发材料形成自发的幻像。她探索我们所处的环境，并激发其自然力量，以使我们感受到这力量的涌动。她通过展览倾听世界，探索并传递场域的声学振动。夏洛特·沙博内尔的多学科实践与空间相关，并不断受到与不同领域和学科的专业知识、合作和调查的滋养。 夏洛特曾被华盛顿国家女性艺术博物馆列入2018年“值得关注的女性”名单，她的作品曾在各大机构展出。夏洛特·沙博内尔的作品被多个公共机构和私人收藏，并获得了众多创作资助。已经出版的作品包括多个展览画册及其个人作品集《A07-A17》，该作品集由les pressse du réel发行。她由巴黎Backslash画廊代理。 她是由门艺为ICICLE文化空间策划的展览 “ROCKS！石“中的艺术家之一。 艺术家个人网站 郭工 郭工，1966 年出生于中国，目前在北京和上海生活，工作。 郭工的作品质疑事物的本质，探索事物作为自然界元素的本来身份，以及它们作为人造之物的状态和转变。他尝试以视觉方式向我们展示物体的内在性，并揭示人与他所构建的宇宙之间的关系。物质、材料和时间是他充满诗意的装置的核心，这些装置同时遵循着一种难以言喻的现实逻辑。 郭工的作品最近在蜂巢当代艺术中心（北京）、NUOART（北京）、喜马拉雅美术馆（上海）展出。作品被M+博物馆、韩国亚细亚艺术中心、广东美术馆、北京NUOART、北京山海美术馆等机构收藏。 黄锐 黄锐，1952年出生于北京，现生活、工作于北京。 黄锐是中国最富有争议性及最受尊敬的当代艺术家之一。他曾发起了1979年的“星星美展”，此活动被认为是中国当代艺术运动的先声。在结束14年定居日本的生活之后黄锐回到北京，他发现了798并成为艺术区的主要策划人、发起人。798艺术区的发展象征了整个中国当代艺术的成功。 黄锐是一位难于将其作品简单分类的艺术家。他在几十年的创作中采用过多种形式，其大多数作品反映一种反叛精神，传达人类在政治控制与商业崇拜下的对立性思维。自1980年代以来，对《易经》的阅读是他最稳定的灵感来源之一，他从其中提取某种逻辑和再生的自发性，并设法赋予其视觉和造型形式。 […]
罗洋驻留巴黎国际艺术城
从2019年集美·阿尔勒国际摄影季，到A2Z画廊2021年的巴黎圣日尔曼摄影展(PhotoSaintGermain)，Doors 门艺一直致力于在以罗洋为代表的中国当代艺术家和法国之间搭建起对话的桥梁。在关注女性（”女孩 “系列，2007-2018年）和中国青年（”青春 “系列，自2019年起）之后，这次驻留项目中，罗洋将着手探讨移民和文化身份的新课题。 该课题将研究“中国人”这一身份在不同社会和文化背景下的传承与转变。通过选择不同家庭作为拍摄对象，罗洋将试图去了解，在移民或海外生活为新身份的萌生提供了充满异国情调的土壤这一背景下，一个家庭里的不同世代之间，这种观念是如何反映的。 我们支持她在巴黎国际艺术城的申请，是我们对促进法国年轻华人的承诺的一部分。 巴黎国际艺术城 位于巴黎市中心的巴黎国际艺术城是著名的艺术家驻留驻地，该驻地接收所有领域艺术家的申请，以促进艺术家的创作和研究为宗旨。 巴黎国际艺术城每月接收300多名新入驻艺术家，不同年代、国籍和领域的艺术家和艺术界人士在这里共同生活。艺术城与135个长期合作伙伴紧密配合，全年都会就特定的主题和/或项目面向艺术界发布接收申请通知。 2022年，罗洋与47位国际艺术界人士一起被选入法国文化中心/巴黎国际艺术城驻留项目。在法国文化部和外交部的协调下，该项目还致力于拓宽获奖者的职业网络，鼓励他们与法国其他艺术家和文化组织展开合作。
曼•雷：白昼纽约，午夜巴黎
继2019年的毕加索之后，Doors门艺继续将欧洲20世纪的大师们带到中国，举办曼•雷巡回展。就如曼·雷的自传《自画像》中的篇章一般，本次展览依循艺术家在美国和法国之间的经历分为四个单元：“纽约：1890-1921年”、“巴黎：1921-1940年”、“好莱坞：1940-1951年”和“重返巴黎：1951-1976年”。 展览重点关注曼·雷所参与过的主要艺术运动、他的摄影实验、他与时尚摄影的关系以及在他的生活中扮演重要角色的缪斯和恋人。达达主义，超现实主义，《Vogue》和《时尚芭莎》，物影摄影和双重曝光，蒙帕纳斯的吉吉、李·米勒和朱丽叶·布朗娜…… 曼·雷认为他是一个通过摄影来复制自己作品的画家。然而，他将肖像和“时尚摄影”融入其艺术语言的实践（他这么做经常是为了维持他的艺术创作），改变了我们今天对摄影的认知，并且影响了摄影和图像在杂志和广告中的应用。 展览支持：曼雷国际协会 官方合作机构：法国驻华大使馆、法国对外文化教育局 特别鸣谢：斯海尔托亨博斯设计博物馆（荷兰）、艾尔莎·特丽奥莱图书馆（圣艾蒂安-迪鲁夫赖市，法国）、岩谷国士（艺术和文学史学家，明治学院大学荣誉教授）。 “一切都可以被光线转化、变形、湮灭。” 曼·雷 展览“曼·雷：白昼纽约，午夜巴黎”每一单元都包含不同的主题，从多个维度展现艺术家对现代艺术发展所作出的突出贡献。比如，曼·雷早年与艺术家马塞尔·杜尚在纽约的相识和往来——他们之间的友谊催生了他的摄影作品《马塞尔·杜尚的<下楼梯的裸女>照片》和《罗丝·瑟拉薇肖像》（“罗丝·瑟拉薇”是杜尚为自己创造的虚构女性身份），以及他作为先驱曾参与并记录的重要艺术运动——达达主义和超现实主义。 其中的多件代表性作品将在展览中展出，譬如他在法国创作的第一件达达主义实物作品《礼物》（1921）、《永恒的主题》（1923）等。其他重要的主题还包括：曼·雷为《Vogue》和《时尚芭莎》拍摄时尚摄影的生涯，以及在他的生命中扮演了关键角色的缪斯和情人——蒙帕纳斯的吉吉、李·米勒和朱丽叶·布朗娜，体现了曼·雷的个人生活对其艺术创作的深刻影响。 此外，展览还探究了曼·雷如何通过多种方式，将摄影这一媒介扩展至纯艺术与纪实交汇的空间。他将肖像和“时尚摄影”融入其艺术语言的实践（他这么做经常是为了维持他的艺术创作），改变了我们今天对摄影的认知，并且影响了摄影和图像在杂志和广告中的应用。 曼·雷的艺术使我们透过他的镜头更好地了解世界，展览邀请观众一起感受曼·雷大胆创新的光学实验。他的物影摄影被视为“纯粹的达达主义创造”和“无相机的照片”。此次展览跨越两次世界大战前后的时期，探讨了历史性事件、私人关系和艺术家长期对艺术本质的思考，如何相互交织并最终呈现在他的作品中。曼·雷在创作中揭示出潜意识如何影响着人们的感知，由此梦境，通过想法、欲望和意义成为了现实，就如艺术家曾说过的，“在真正的达达主义精神中，完成了对于困惑的循环。”
ROCKS !石 – 五位当代艺术家的矿石观
这个展览的出发点在于典型的中国石头收藏传统。中国的文人习惯于挑选石头或岩石，最好是那些被时间或自然因素侵蚀的石头，以装饰他们的花园或工作室。当与水结合时，象征着山的岩石变成了自然界的微型复制品。其结果是作为逃离日常生活的来源，有助于审美舒适和精神丰富。 这一传统在奇物柜中找到了遥远的回声，奇物柜是反映世界的自然和人造物品的微型收藏。这是一种始于文艺复兴时期的博学和审美实践，标志着人类向更科学的分类和对世界的理解迈进。 就像一个学者的花园或当代的奇珍异宝柜，展览探索了自然和人工之间的联系，并对这种东西方的融合提出了质疑：由天然石头和复合材料制成的混合雕塑，在自然景观中的表演，以创造幻觉的摄影蒙太奇或由大自然的手与艺术家一起创造的形式，在暗室中的矿物物质本身的化学实验…。“ ROCKS！ 石”的艺术家们质疑我们的看法，并唤起石头的神秘感。因为，除了固定和冻结的形式，这些浸透了世界运动的石头是连续沉淀的结果，是可以追溯到数百万或数十亿年前的深渊时代的见证。 之禾诚邀巴黎公众在秋季巴黎艺术博览会期间，经由艺术进入令人沉醉的矿石世界。《ROCKS !石》也是“在巴黎探访巴黎当代艺术博览会（FIAC）”活动的一部分。 合作伙伴：Backslash画廊（Backslash Gallery), LOFT画廊(LOFT Gallery), RVB Books出版社 展望 展望1962年生于北京，北京也是他生活和工作的地方。他自幼师从祖父和叔叔学习绘画和素描，进入中央美院后专攻雕塑。 在1990年的《人行道》系列中，展望试图打破只描绘宗教或英雄人物的雕塑传统，选择无名人士作为主题，以树脂而非传统的青铜和大理石作为载体。他给这些真人大小的雕塑穿上真正的衣服然后再上色。这个系列被认为是中国超现实主义雕塑运动的起点。 1994年，展望在他的《自由与自然空间》系列中开始尝试观念雕塑，将中山装做成没有身体的躯壳,并扭绞成超现实形状。主导他最著名的作品系列《假山石》的也是这种“空壳” 的想法。展望用捶打、弯曲、加热和浇铸的方式仔细将不锈钢板覆盖在传统的文人石上，然后将这种“外皮”一块块取下， 再焊接在一起，复制出一块块冰冷的空心石，它光滑的表面映射出了工业化的世界。 《假山石》是大都会博物馆收藏的第一件中国当代雕塑作品。 从伦敦的大英博物馆到洛杉矶艺术博物馆再到东京的森美术馆，展望的作品曾多次在国际上展出。在法国代理他的是巴黎的 Loft画廊。 艺术家个人网站 Instagram 乔纳森·布莱希纳克 1985年出生于普罗旺斯，在巴黎生活和工作。乔纳森·布莱希纳克（Jonathan Bréchignac）曾在马赛学习平面设计并毕业于布鲁塞尔图像研究学院。 发光的海藻、彩虹色的甲虫、光的折射、会移动的石头，乔纳森·布莱希纳克的作品以这些尽管有科学解释却依然魅力不减的自然现象为出发点。他的实践混合了雕塑、装置和绘画。对物质的探索在他的作品中占据重要位置，作品借用了来自科学的代码 和规程(收集样本、实验和实验室设备等)。 借助新技术用合成材料重新创造“生命”，乔纳森·布莱希纳克发明了一种迷人的诗学：他质疑人工与天然之间的界限，以及我们这个时代与生命的关系。在他的作品中，对民间神话、科学理论和秘传学说的援引模糊了虚构和真实之间的界限。他指出我们认识世界的能力的各种局限，从而揭示了信仰出现的过程。 2021年，乔纳森·布莱希纳克赢得了由Ruinart赞助的Art of Change 21奖。他的作品曾在Chapelle XIV和Guido Romero Pierino画廊展出。 艺术家个人网站 Instagram 夏洛特·沙博内尔 夏洛特·沙博内尔（Charlotte Charbonnel）生于 1980年，在巴黎生活和工作。她毕业于图尔美术学 院和巴黎国立高等装饰艺术学院。 几年来，夏洛特·沙博内尔似乎想编织出将宇宙的基础物质结合在一起的各种无形纽带。她的创作来自于一种有多个入口的实证研究：倾听和捕捉材质或自然现象，探索物质的不同状态，细致观察难以捉摸的物质……她的工作室变成了一个感觉的实验室，一个将自然与科学结合的实验室。她的装置作品将不同的材料发挥到极致，从而提出了一些新的探索和理解的途径。这位艺术家通过装置和雕塑推动物质形成自己的幻象。 她在2018年被华盛顿国家艺术界妇女博物馆评为 “值得关注的女性 (Woman to watch)” ，（华盛顿特区）。夏洛特·沙博内尔最近在凡尔赛宫的la Maréchalerie、布鲁塞尔的Verrière Hermès、阿尔勒的Musée Réattu、Château de […]
罗洋: 不被定义
“80后”这个词是指，十年文革之后，在邓小平领导的改革开放时期独生子女政策下出生的第一代人。这些年轻人从小就是世界中心，互联网和社交媒体伴随了他们的成长，他们浸淫在与前几代人成长背景完全不同的消费社会当中。罗洋就属于这一代人。 自2007年，23岁的罗洋开始创作《女孩》系列，这一系列作品为她带来了国际声誉。十年间，罗洋跟踪了数百位女性，记录她们这些年来身体和生活的变化。她观察和捕捉这些女孩儿从青春期到成年的微妙过渡。在这个过程中，罗洋仿佛拿着一面镜子，从这些女孩们的成长和蜕变中，也映照了出她自己的成长和蜕变， 并捕捉到了年轻女性的各种情感。 如今35岁的罗洋，无论对是男孩女孩，还是青年期，都十分着迷。从2019年开始，在新系列《青春》中，她将关注点转移到更年轻的一代，并通过他们探索全面国际化后的中国社会的变化，在这一时期，中国社会的变迁达到了新的程度。新系列中，她的模特们是出生于 1990年代至2000年初的城市青年。这些年轻人一方面紧随时代潮流，另一方面与社会主流格格不入。 罗洋以恰如其分的敏锐用胶片拍摄这些中国社会里的非典型人物，她致力于“记录”每天遇到的这一代年轻人。罗洋认为，以照片的形式记录他们的存在是她的职责。这些人是音乐家、艺术家、博主、朋友或陌生人，他们有各式各样的纹身，头发染成各种颜色，打扮夸张，在镜头前他们对自己的外表有充分的自觉。这些表象并不是罗洋为她的拍摄特意挑选的典型，每一幅肖像背后都隐藏着独特的故事：这些年轻人们或有着超越他们幼稚外表的成熟，或在行为上还透露出他们孩子气的心智；他们是以令人不安的脆弱来打破社会规范的男孩，是自豪地宣告自己是双性恋的女孩，也有热恋中的情侣。 罗洋 1984年出生于中国沈阳。目前在北京和上海两地间工作和生活。 罗洋毕业于鲁迅美术学院平面设计专业。还在鲁迅美术学院上学时，罗洋便开始拍摄身边的年轻女性。她历时十年创作《女孩》系列，引起了艺术家艾未未的注意。艾未未曾称她为“中国摄影界冉冉升起的新星”，并邀请她参加了他2013年在荷兰格罗宁格博物馆（Groninger Museum）的展览《FUCK OFF 2》。此后，她在柏林、香港和曼谷举办个展，西方媒体对她进行了报道，这为她赢得了国际知名度。 2018年，罗洋入选BBC“100位女性”之一。2019年罗洋入围C/O柏林人才奖，并获得集美·阿尔勒女性摄影师奖。除了艺术创作之外，罗洋还经常与时尚杂志和品牌合作。 2022年她驻留巴黎国际艺术城 艺术家个人网站，Instagram
毕加索——一位天才的诞生
此次展览由国立巴黎毕加索博物馆藏品总监艾米利娅·菲利普策划，并专为此次在中国于UCCA的呈现而进行构思设计与组织，囊括了毕加索(1881-1973)创作的34件绘画、14件雕塑以及55件纸上作品。 这些创作于1893至1921年间的作品，共同展示了这位现代艺术史上最为大胆、最具原创性、最为多产的天才——毕加索的艺术创作的形成与演变过程。 展览中所呈现的三十年涵盖了青年毕加索的艺术发现与酝酿时期，期间他的风格经历了多次转变：从学徒时代的学院派现实主义，到战后向古典风格的回归；从蓝色时期和粉色时期交替出现的忧郁和情感相关主题，到他具有开创性的原始主义探索，后者引导他最终转向立体主义。 与惯常将毕加索的艺术生涯简化为一系列严格定义和相互封闭的创作时期的策展方式有所不同，此次展览在不同创作阶段之间保留了开放性和穿越性的视角，由此呈现同时存在于毕加索身上多种看似矛盾的艺术语言，也使观众得以体察这些艺术风格转变背后的历史与个人生活现实。 国立巴黎毕加索博物馆内可观的馆藏–包括5000件艺术作品和20多万件档案物品–得益于1979年和1990年的两次代税捐赠（一种替代遗产税的方法），它们分别来自于艺术家本人的继承人和其遗孀的继承人。本次展览是国立巴黎毕加索博物馆在其2014年的机构振兴之后，于新任馆长洛朗·勒邦及其新策展框架的领导之下，在中国进行的首次重要尝试。 UCCA当代艺术中心是中国领先的当代艺术机构。它于2007年开馆，并在2017年由一群坚定的中国和国际赞助人支持下重新启动。2019年，建筑公司OMA主持设计了UCCA场馆改造，本次展览开启了其发展的新阶段。 UCCA馆长兼CEO田霏宇表示：“对于UCCA而言，此次展览标志着我们实现了自2007年创办以来即秉持的一个梦想，我们不仅展示当代艺术的最新发展动向，而且通过展示现代大师的创作，来审视当代艺术的根基。我们相信，毕加索的故事与我们中国的观众是相关的，因为这里的独立个体仍在继续应对创造力、独特性和革新性的挑战。” 展览于UCCA面积1800平方米的大展厅内呈现，阿德里安·卡迪工作室（Studio Adrien Gardère）为展览特别设计了展陈空间。 该展览共计吸引了40万名参观者，并产生了2500份媒体剪报，在微博上的传播触及达700万人。 “毕加索——一位天才的诞生”划分为六个不同章节： 1- “早期毕加索”聚焦于毕加索自童年时期开始的创作及艺术家早期受到的影响，在这一阶段，他创作了《戴帽子的男人》（1895）和《古典雕塑石膏像写生习作》（1893-1894）； 2- 在“蓝色和粉色毕加索”阶段，艺术家放弃模仿前辈的后印象派绘画风格，转而塑造真正意义上最早的个人风格，并逐渐确立了最初的艺术身份，其作品包括《疯子》（1905）和《兄弟俩》（1906）； 3- “驱魔人毕加索：《阿维尼翁的少女》的革命”展现了艺术家简化形式和空间的探索，在寻找、发明新的艺术语言的过程中，他创作了《自画像》（1906）等作品，并孕育杰作《阿维尼翁的少女》（纽约现代艺术博物馆，1907），开启了一场彻底改变二十世纪艺术的革命； 4- “立体主义者毕加索”中，艺术家对“标志物”等符号元素的运用催生出了立体派作品，如《弹曼陀林的男子》（1911）和《壁炉旁的男人》（1916）； 5- “多变毕加索”着眼于艺术家对古典的致敬、引用与革新，《恋人》（1919）、《习作》（1920）等作均展现出毕加索独特的艺术探索，艺术家为俄罗斯芭蕾舞团出品的舞剧《三角帽》（1919）设计的舞台布景、服装和幕布亦在这一部分中呈现； 6- 展览的最后部分展示了艺术家1927年至1972年较为晚期的一系列杰出绘画和雕塑作品，这些作品清晰地展示了毕加索青年时期的艺术实验所产生的影响，亦勾勒出贯穿他创作生涯的主题与基本原则。 在展览期间的4个周末，UCCA举办多项公共活动，包括“对谈”“影像艺术交流”“表演艺术交流”。超过600人参加了活动，7万人观看了现场直播。 “毕加索在中国”系列高峰论坛将通过学者演讲和对谈的形式，全面诠释毕加索与中国的关系 电影放映包括亨利-乔治·克鲁佐的《毕加索的秘密》等经典影片以及动画作品《现代艺术之旅》等创意新片。 钢琴家高平，编舞双人组“I Could Never Be A Dancer”以及3C艺术音乐组合以毕加索的绘画及其参与的戏剧为灵感，为观众带来了原创作品。 展览期间，UCCA基金会精心策划一系列儿童艺术教育公益项目。小观众在购买了特别纪念品后，可以参加导览参观和艺术工作坊；所有收益将由UCCA基金会所得，以用于支持针对艺术教育尚未触达的儿童群体展开的艺术教育普及工作。受到毕加索创作的发展历程启发，UCCA的著名公教项目UCCA儿童艺术中心（UCCA Kids）将于毕加索展览期间推出一系列艺术工作坊，共分为五个主题：“快乐的小画家”、“情绪的色彩—粉与蓝”、“古老文明的启示”、“重塑绘画的维度”和“走进毕加索的舞台世界”。 合作伙伴、赞助与支持 作为2019年“中法文化之春”系列活动的重要组成部分，本次展览获得了法国驻中国大使馆的大力支持。 展览获得了摩根士丹利、苏富比、艺术跨界合作伙伴玛丽黛佳以及舍得酒业股份有限公司提供对慷慨支持。 感谢合作伙伴天猫新文创、中国妇女发展基金会“妈妈制造”公益项目、WILLIAMISM、友邻优课的支持。 展览的儿童教育项目由英氏婴童用品有限公司及英氏儿童成长基金会、天猫商城提供慷慨支持。展览由明基BenQ提供影像解决方案，红日照明提供专业照明设备支持。 分众传媒提供全国广告宣传支持。本次展览的住宿与相关活动由北京诺金酒店倾情支持，展览出行由谛珞轲旅游咨询有限公司支持。美术馆环保墙面解决方案由多乐士独家呈现。UCCA同样感谢尤伦斯艺术基金会理事会、尤伦斯当代委员会和UCCA Young Associates成员，以及UCCA战略合作伙伴彭博、阿那亚的支持。
