ROCKS !石 – 五位当代艺术家的矿石观
这个展览的出发点在于典型的中国石头收藏传统。中国的文人习惯于挑选石头或岩石，最好是那些被时间或自然因素侵蚀的石头，以装饰他们的花园或工作室。当与水结合时，象征着山的岩石变成了自然界的微型复制品。其结果是作为逃离日常生活的来源，有助于审美舒适和精神丰富。 这一传统在奇物柜中找到了遥远的回声，奇物柜是反映世界的自然和人造物品的微型收藏。这是一种始于文艺复兴时期的博学和审美实践，标志着人类向更科学的分类和对世界的理解迈进。 就像一个学者的花园或当代的奇珍异宝柜，展览探索了自然和人工之间的联系，并对这种东西方的融合提出了质疑：由天然石头和复合材料制成的混合雕塑，在自然景观中的表演，以创造幻觉的摄影蒙太奇或由大自然的手与艺术家一起创造的形式，在暗室中的矿物物质本身的化学实验…。“ ROCKS！ 石”的艺术家们质疑我们的看法，并唤起石头的神秘感。因为，除了固定和冻结的形式，这些浸透了世界运动的石头是连续沉淀的结果，是可以追溯到数百万或数十亿年前的深渊时代的见证。 之禾诚邀巴黎公众在秋季巴黎艺术博览会期间，经由艺术进入令人沉醉的矿石世界。《ROCKS !石》也是“在巴黎探访巴黎当代艺术博览会（FIAC）”活动的一部分。 合作伙伴：Backslash画廊（Backslash Gallery), LOFT画廊(LOFT Gallery), RVB Books出版社 展望 展望1962年生于北京，北京也是他生活和工作的地方。他自幼师从祖父和叔叔学习绘画和素描，进入中央美院后专攻雕塑。 在1990年的《人行道》系列中，展望试图打破只描绘宗教或英雄人物的雕塑传统，选择无名人士作为主题，以树脂而非传统的青铜和大理石作为载体。他给这些真人大小的雕塑穿上真正的衣服然后再上色。这个系列被认为是中国超现实主义雕塑运动的起点。 1994年，展望在他的《自由与自然空间》系列中开始尝试观念雕塑，将中山装做成没有身体的躯壳,并扭绞成超现实形状。主导他最著名的作品系列《假山石》的也是这种“空壳” 的想法。展望用捶打、弯曲、加热和浇铸的方式仔细将不锈钢板覆盖在传统的文人石上，然后将这种“外皮”一块块取下， 再焊接在一起，复制出一块块冰冷的空心石，它光滑的表面映射出了工业化的世界。 《假山石》是大都会博物馆收藏的第一件中国当代雕塑作品。 从伦敦的大英博物馆到洛杉矶艺术博物馆再到东京的森美术馆，展望的作品曾多次在国际上展出。在法国代理他的是巴黎的 Loft画廊。 艺术家个人网站 Instagram 乔纳森·布莱希纳克 1985年出生于普罗旺斯，在巴黎生活和工作。乔纳森·布莱希纳克（Jonathan Bréchignac）曾在马赛学习平面设计并毕业于布鲁塞尔图像研究学院。 发光的海藻、彩虹色的甲虫、光的折射、会移动的石头，乔纳森·布莱希纳克的作品以这些尽管有科学解释却依然魅力不减的自然现象为出发点。他的实践混合了雕塑、装置和绘画。对物质的探索在他的作品中占据重要位置，作品借用了来自科学的代码 和规程(收集样本、实验和实验室设备等)。 借助新技术用合成材料重新创造“生命”，乔纳森·布莱希纳克发明了一种迷人的诗学：他质疑人工与天然之间的界限，以及我们这个时代与生命的关系。在他的作品中，对民间神话、科学理论和秘传学说的援引模糊了虚构和真实之间的界限。他指出我们认识世界的能力的各种局限，从而揭示了信仰出现的过程。 2021年，乔纳森·布莱希纳克赢得了由Ruinart赞助的Art of Change 21奖。他的作品曾在Chapelle XIV和Guido Romero Pierino画廊展出。 艺术家个人网站 Instagram 夏洛特·沙博内尔 夏洛特·沙博内尔（Charlotte Charbonnel）生于 1980年，在巴黎生活和工作。她毕业于图尔美术学 院和巴黎国立高等装饰艺术学院。 几年来，夏洛特·沙博内尔似乎想编织出将宇宙的基础物质结合在一起的各种无形纽带。她的创作来自于一种有多个入口的实证研究：倾听和捕捉材质或自然现象，探索物质的不同状态，细致观察难以捉摸的物质……她的工作室变成了一个感觉的实验室，一个将自然与科学结合的实验室。她的装置作品将不同的材料发挥到极致，从而提出了一些新的探索和理解的途径。这位艺术家通过装置和雕塑推动物质形成自己的幻象。 她在2018年被华盛顿国家艺术界妇女博物馆评为 “值得关注的女性 (Woman to watch)” ，（华盛顿特区）。夏洛特·沙博内尔最近在凡尔赛宫的la Maréchalerie、布鲁塞尔的Verrière Hermès、阿尔勒的Musée Réattu、Château de […]
罗洋: 不被定义
“80后”这个词是指，十年文革之后，在邓小平领导的改革开放时期独生子女政策下出生的第一代人。这些年轻人从小就是世界中心，互联网和社交媒体伴随了他们的成长，他们浸淫在与前几代人成长背景完全不同的消费社会当中。罗洋就属于这一代人。 自2007年，23岁的罗洋开始创作《女孩》系列，这一系列作品为她带来了国际声誉。十年间，罗洋跟踪了数百位女性，记录她们这些年来身体和生活的变化。她观察和捕捉这些女孩儿从青春期到成年的微妙过渡。在这个过程中，罗洋仿佛拿着一面镜子，从这些女孩们的成长和蜕变中，也映照了出她自己的成长和蜕变， 并捕捉到了年轻女性的各种情感。 如今35岁的罗洋，无论对是男孩女孩，还是青年期，都十分着迷。从2019年开始，在新系列《青春》中，她将关注点转移到更年轻的一代，并通过他们探索全面国际化后的中国社会的变化，在这一时期，中国社会的变迁达到了新的程度。新系列中，她的模特们是出生于 1990年代至2000年初的城市青年。这些年轻人一方面紧随时代潮流，另一方面与社会主流格格不入。 罗洋以恰如其分的敏锐用胶片拍摄这些中国社会里的非典型人物，她致力于“记录”每天遇到的这一代年轻人。罗洋认为，以照片的形式记录他们的存在是她的职责。这些人是音乐家、艺术家、博主、朋友或陌生人，他们有各式各样的纹身，头发染成各种颜色，打扮夸张，在镜头前他们对自己的外表有充分的自觉。这些表象并不是罗洋为她的拍摄特意挑选的典型，每一幅肖像背后都隐藏着独特的故事：这些年轻人们或有着超越他们幼稚外表的成熟，或在行为上还透露出他们孩子气的心智；他们是以令人不安的脆弱来打破社会规范的男孩，是自豪地宣告自己是双性恋的女孩，也有热恋中的情侣。 罗洋 1984年出生于中国沈阳。目前在北京和上海两地间工作和生活。 罗洋毕业于鲁迅美术学院平面设计专业。还在鲁迅美术学院上学时，罗洋便开始拍摄身边的年轻女性。她历时十年创作《女孩》系列，引起了艺术家艾未未的注意。艾未未曾称她为“中国摄影界冉冉升起的新星”，并邀请她参加了他2013年在荷兰格罗宁格博物馆（Groninger Museum）的展览《FUCK OFF 2》。此后，她在柏林、香港和曼谷举办个展，西方媒体对她进行了报道，这为她赢得了国际知名度。 2018年，罗洋入选BBC“100位女性”之一。2019年罗洋入围C/O柏林人才奖，并获得集美·阿尔勒女性摄影师奖。除了艺术创作之外，罗洋还经常与时尚杂志和品牌合作。 2022年她驻留巴黎国际艺术城 艺术家个人网站，Instagram
毕加索——一位天才的诞生
此次展览由国立巴黎毕加索博物馆藏品总监艾米利娅·菲利普策划，并专为此次在中国于UCCA的呈现而进行构思设计与组织，囊括了毕加索(1881-1973)创作的34件绘画、14件雕塑以及55件纸上作品。 这些创作于1893至1921年间的作品，共同展示了这位现代艺术史上最为大胆、最具原创性、最为多产的天才——毕加索的艺术创作的形成与演变过程。 展览中所呈现的三十年涵盖了青年毕加索的艺术发现与酝酿时期，期间他的风格经历了多次转变：从学徒时代的学院派现实主义，到战后向古典风格的回归；从蓝色时期和粉色时期交替出现的忧郁和情感相关主题，到他具有开创性的原始主义探索，后者引导他最终转向立体主义。 与惯常将毕加索的艺术生涯简化为一系列严格定义和相互封闭的创作时期的策展方式有所不同，此次展览在不同创作阶段之间保留了开放性和穿越性的视角，由此呈现同时存在于毕加索身上多种看似矛盾的艺术语言，也使观众得以体察这些艺术风格转变背后的历史与个人生活现实。 国立巴黎毕加索博物馆内可观的馆藏–包括5000件艺术作品和20多万件档案物品–得益于1979年和1990年的两次代税捐赠（一种替代遗产税的方法），它们分别来自于艺术家本人的继承人和其遗孀的继承人。本次展览是国立巴黎毕加索博物馆在其2014年的机构振兴之后，于新任馆长洛朗·勒邦及其新策展框架的领导之下，在中国进行的首次重要尝试。 UCCA当代艺术中心是中国领先的当代艺术机构。它于2007年开馆，并在2017年由一群坚定的中国和国际赞助人支持下重新启动。2019年，建筑公司OMA主持设计了UCCA场馆改造，本次展览开启了其发展的新阶段。 UCCA馆长兼CEO田霏宇表示：“对于UCCA而言，此次展览标志着我们实现了自2007年创办以来即秉持的一个梦想，我们不仅展示当代艺术的最新发展动向，而且通过展示现代大师的创作，来审视当代艺术的根基。我们相信，毕加索的故事与我们中国的观众是相关的，因为这里的独立个体仍在继续应对创造力、独特性和革新性的挑战。” 展览于UCCA面积1800平方米的大展厅内呈现，阿德里安·卡迪工作室（Studio Adrien Gardère）为展览特别设计了展陈空间。 该展览共计吸引了40万名参观者，并产生了2500份媒体剪报，在微博上的传播触及达700万人。 “毕加索——一位天才的诞生”划分为六个不同章节： 1- “早期毕加索”聚焦于毕加索自童年时期开始的创作及艺术家早期受到的影响，在这一阶段，他创作了《戴帽子的男人》（1895）和《古典雕塑石膏像写生习作》（1893-1894）； 2- 在“蓝色和粉色毕加索”阶段，艺术家放弃模仿前辈的后印象派绘画风格，转而塑造真正意义上最早的个人风格，并逐渐确立了最初的艺术身份，其作品包括《疯子》（1905）和《兄弟俩》（1906）； 3- “驱魔人毕加索：《阿维尼翁的少女》的革命”展现了艺术家简化形式和空间的探索，在寻找、发明新的艺术语言的过程中，他创作了《自画像》（1906）等作品，并孕育杰作《阿维尼翁的少女》（纽约现代艺术博物馆，1907），开启了一场彻底改变二十世纪艺术的革命； 4- “立体主义者毕加索”中，艺术家对“标志物”等符号元素的运用催生出了立体派作品，如《弹曼陀林的男子》（1911）和《壁炉旁的男人》（1916）； 5- “多变毕加索”着眼于艺术家对古典的致敬、引用与革新，《恋人》（1919）、《习作》（1920）等作均展现出毕加索独特的艺术探索，艺术家为俄罗斯芭蕾舞团出品的舞剧《三角帽》（1919）设计的舞台布景、服装和幕布亦在这一部分中呈现； 6- 展览的最后部分展示了艺术家1927年至1972年较为晚期的一系列杰出绘画和雕塑作品，这些作品清晰地展示了毕加索青年时期的艺术实验所产生的影响，亦勾勒出贯穿他创作生涯的主题与基本原则。 在展览期间的4个周末，UCCA举办多项公共活动，包括“对谈”“影像艺术交流”“表演艺术交流”。超过600人参加了活动，7万人观看了现场直播。 “毕加索在中国”系列高峰论坛将通过学者演讲和对谈的形式，全面诠释毕加索与中国的关系 电影放映包括亨利-乔治·克鲁佐的《毕加索的秘密》等经典影片以及动画作品《现代艺术之旅》等创意新片。 钢琴家高平，编舞双人组“I Could Never Be A Dancer”以及3C艺术音乐组合以毕加索的绘画及其参与的戏剧为灵感，为观众带来了原创作品。 展览期间，UCCA基金会精心策划一系列儿童艺术教育公益项目。小观众在购买了特别纪念品后，可以参加导览参观和艺术工作坊；所有收益将由UCCA基金会所得，以用于支持针对艺术教育尚未触达的儿童群体展开的艺术教育普及工作。受到毕加索创作的发展历程启发，UCCA的著名公教项目UCCA儿童艺术中心（UCCA Kids）将于毕加索展览期间推出一系列艺术工作坊，共分为五个主题：“快乐的小画家”、“情绪的色彩—粉与蓝”、“古老文明的启示”、“重塑绘画的维度”和“走进毕加索的舞台世界”。 合作伙伴、赞助与支持 作为2019年“中法文化之春”系列活动的重要组成部分，本次展览获得了法国驻中国大使馆的大力支持。 展览获得了摩根士丹利、苏富比、艺术跨界合作伙伴玛丽黛佳以及舍得酒业股份有限公司提供对慷慨支持。 感谢合作伙伴天猫新文创、中国妇女发展基金会“妈妈制造”公益项目、WILLIAMISM、友邻优课的支持。 展览的儿童教育项目由英氏婴童用品有限公司及英氏儿童成长基金会、天猫商城提供慷慨支持。展览由明基BenQ提供影像解决方案，红日照明提供专业照明设备支持。 分众传媒提供全国广告宣传支持。本次展览的住宿与相关活动由北京诺金酒店倾情支持，展览出行由谛珞轲旅游咨询有限公司支持。美术馆环保墙面解决方案由多乐士独家呈现。UCCA同样感谢尤伦斯艺术基金会理事会、尤伦斯当代委员会和UCCA Young Associates成员，以及UCCA战略合作伙伴彭博、阿那亚的支持。
开物：当代中国的日常与想象
公元前五世纪，”君子”这一概念–以及由此引申出的“贤者”“圣人”等中国文人的形象–随着孔子的出现而确定。几个世纪以来，”文人”一词已经演变为更广泛地指精通诗歌、书法、音乐或绘画艺术的知识分子，并且他们不断寻找具有高雅审美的器物。自古以来，中国的皇帝、学者和官员收集非凡器物，并鼓励工艺艺术的发展。 中国器物被视为复杂的象征和技术的代表，自与中原帝国的第一次交流便点燃了西方世界的想象–中国丝绸在古罗马非常受欢迎。在18世纪，这种热潮随着 “中国风”的引入而增长。 来自中国或受中国启发的陶器、瓷器、家具和挂毯等产品被欧洲各地大量地进口和生产。然而，在19世纪和20世纪，由于中国受到鸦片战争、帝国灭亡、国共内战、中日战争和文化大革命（宣布消灭 “四旧”）的冲击，这些行业经历了衰退，无数的艺术品流散各地或被销毁。 随着1980年代的经济改革和对外开放，中国全面接受全球化和工业化。它迅速将自己转变为了 “世界工厂”，生产由其他国家设计并以低成本制造的大众消费产品。 360° 数字展览 该展览将全面呈现三十位（个）艺术家、设计师及设计工作室的创作。无论是艺术作品、设计产品、手工艺品还是日常消费品，它们的汇集既展现了普通中国人的日常生活肌理，亦呈现出关于生活之美的想象力和创造性维度。 展览“开物：当代中国的日常与想象”汇集了多样化的观点和问题，探讨传统器具其功能和设计如何演变，同时也对于当代和未来生活方式做出思考与展望。 更多信息关于里尔作为2020年设计之都和通过设计展 “设计上海 “的中国当代设计的信息 了解展示黄锐艺术作品的其他项目：《重生》、《星星》等
BING ! BING ! 砰砰! 当代陶瓷艺术展
在汉语中，“砰”[pēng]这个字相当于法语的拟声词“bing！”：它是震撼与碰撞之声，意味着一次破裂，一场改变现实的突发事件。 展览“BING！BING！砰砰！”是一场东西方的相遇，艺术家们在此充分发挥陶瓷材料的特性：陶瓷坚固又脆弱，能够讲述故事，并且具有文化意义，在中国的景德镇和宜兴，在法国塞夫尔、利摩日等地，都已成为独具一格的文化遗产。刘建华（1962），伊曼纽尔·布斯（1969），耿雪（1983），齐倬（1985）和路易丝·弗莱德曼（1989）。他们各具风格，各成特色，从当代角度重新诠释了传统的陶瓷艺术。 陶瓷被塑造成多种样态，以各种形式表现，成为艺术家们的实验对象，如雕塑、写作、表演和录像艺术等。在与陶瓷这一媒介形式相关的美学语言和文化意义的碰撞中，艺术家们有时会富有意趣地玩起文字游戏，通过色调的突变还有各式各样的效果，解读陶瓷艺术的秘密，并以令人意外的方式呈现出来。 当代陶瓷艺术名家刘建华、伊曼纽尔·布斯，还有年轻一代的艺术家耿雪、齐倬和路易丝·弗莱德曼等，都致力于探索陶瓷的物理特性及其在技术下幻化成形的机制，乃至研究其局限性。陶瓷在其原始状态下具有柔软性和韧性，在烧制过程中可承受超过1300°C的高温，最终凝固成形后又极为脆弱，这使得陶瓷富于光泽和颜色的变化，而不是单调的苍白。 展览“BING！BING！砰砰！”还叩问了艺术家与陶瓷材料之间的关系，在匠心与灵感、预设与偶然、技巧与情感的紧张关系之间，探究艺术家与大地、与火的对话。展览中的作品因此承载了艺术家在材料上的烙印，有时甚至与陶瓷本身成为一体。 合作伙伴：佩斯画廊（Pace Gallery），朱塞·昂特布里斯画廊（Jousse Entreprise），卢和鲁画廊（Loo & Lou Gallery）。 鸣谢：法国国家陶瓷博物馆-塞夫尔国家陶瓷制造局。 刘建华 刘建华是他这一代最著名的中国艺术家之一。 他12岁来到景德镇，在中国瓷都度过了十四年的时光，学习陶瓷工艺和艺术。他将陶瓷、新物质、综合材料结合在一起进行雕塑和装置，形成了一套实验性创作方法，并以哲学的方式来塑造陶瓷的形式和材质。 作为一个当代艺术家，刘建华对全球化背景下的中国文化和材料发展史提出疑问 。刘建华曾多次代表中国参加威尼斯双年展。 艺术家个人网站 伊曼纽尔·布斯 伊曼纽尔·布斯(emmanuel boos)被公认为法国最好的陶瓷艺术家之一，他自14岁起就接触了陶瓷艺术。伊曼纽尔·布斯是典型的世界公民，他曾在韩国、中国、法国和英国生活，直到2015年，他把工作室定在了德国。2016年至2019年期间，他是塞夫尔国家陶瓷制造局(Manufacture de Sèvres)的特邀艺术家。2021年，他还受邀参加巴黎市立现代美术馆的“与火共舞”展览。他目前的作品偏爱封闭的形状、虚假的饱满、表面和体积：鹅卵石、立方体、盒子或书籍，都是神秘而抽象的。艺术家探索意外的灵感和幸运的偶然，并寻找“美丽的不完美”。 艺术家个人网站 耿雪 耿雪是一位以多种媒介进行创作的中国艺术家，她将传统的陶瓷艺术与当代艺术形式（视频、动画、装置艺术等）相结合。无论是佛教宇宙论，古典文学亦或是道教和西方审美传统，传统文化的一些创作主题始终给予耿雪灵感。她着眼于陶瓷的转化能力及其脆弱又坚固的特质，在几乎魔幻的宇宙中，打通物理世界和精神世界间的边界。2019年，耿雪作为中国馆的代表艺术家之一参加了第58届威尼斯双年展。 Instagram 路易丝·弗莱德曼 路易丝·弗莱德曼(Louise Frydman)定居于法国勃艮第，她的职业生涯始于使用白纸创作轻巧精致的艺术品。自2015年开始，路易丝转向陶瓷艺术。在处理陶瓷时，她保留了纸张的白色哑光以及材料的细腻质地。“我通过以一种空灵的方式来处理我的作品，作品通常尺寸较大，我借此来发挥力量，从而在坚实和脆弱之间寻求交汇。一朵花瓣，一棵树，一阵风……都是我尝试表达的情感。“ 艺术家个人网站 Instagram 齐倬 齐倬（1985年出生于辽宁阜新）毕业于勒芒高等美术学院，日内瓦艺术设计大学和利摩日国家高等美术学院，自2008年以来一直在法国工作和生活。作为艺术家，齐倬的创作基于文化冲击这一理念。他着眼于日常见闻的语义和语言冲击所激发的文化异质性及其误解，通过所产生的经验来丰富自己的艺术实践。他富于幽默感，将陶瓷艺术与传统和专业技艺相碰撞，而全球化未经过渡或翻译就将这些因素粗暴地混在一起。 艺术家个人网站 Instagram 在DoorZine上关于当代陶瓷读更多信息
东流不作西归水
从中国传统国画的传承，至那些桃源乡般的景色在时间的长河中浮沉反复，到现今加速现代化的过程及其对自然和环境的影响，视觉上的叙事唤起我们对江河大川的记忆。从过去的20年中形成一股与河流共生的灵感源泉，且持续吸引着中国和世界各地的摄影师们。《东流不作西归水》聚集13摄影师对中国山水的阳光：杨泳梁、塔可、骆丹、秋麦、爱德华·伯汀斯基、庄辉、陈秋林、木格、刘珂、贾樟柯、张晓、陈荣辉、张克纯。 “东流不作西归水——摄影师的中国河流观察”*，展览由零零构思，并与黎静共同策划，此展览将作为2020年诺曼底印象派艺术节项目之一，在瑞米耶日修道院举行。该项目由Doors门艺文化事务监制，同时感谢滨海塞纳省相关部门的鼎力支持。展览画册（中法双语）将再现此次展览中的作品，收纳了对艺术家的独家采访。该书与Bandini Books出版社合作发行，于2021年7月15日起开始发售。 景观与沉思 与长江、黄河这两条中国最大河流相关的神话传说启发了许多中国的诗人、画家和书法家在创作上的灵感。在中国传统美学中，江川河流是中国国画的重要组成元素。山水常在文学作品中通过笔墨演绎，表现人与自然之间的和谐统一。 在传统古典画家和中国初期摄影的续写和传承之下，今天的艺术家们从传统的仪式感和文字中汲取灵感，拍摄着中国当代的河流景观。画面里人们凝视着不断变化的自然运动，与自然并肩通行，一切都充满宁静。 河流，见证历史的加速进程 工业化和城市化建设是20世纪下半叶的一个重大历史事件，它正在改变着中国的面貌，并对环境和气候产生影响。三峡大坝这项庞大的人类工程是在1994年-2009年期间，根据毛泽东在1950年代提出的想法建造的。它缓解了长江常年的水灾泛滥，并创造了世界上最大的水力发电厂。 同时也造成近200万人流离失所，超过1300处历史和考古遗址、15个城市和116个村庄被长江吞没。湖泊干枯，环境污染，山体滑坡… 这一工程对环境的影响是不可忽视的。重庆是一个拥有3200万人口（其中70％为农村人口）的城市，作为三峡大坝附近的城市，受益于大坝的建设，成长为西南地区最大的工业和商业中心。顺沿长江流域，摄影师们记录了工业化进程对中国景观、环境和社会的影响。 河流的故事 这是神话、诗歌、历史的交汇处，河流强烈的视觉力量激发着当代年轻艺术家的创作灵感，并唤起了他们的感知力。由小说引发的启蒙之旅到肉体的感知，在混沌中感知和寻觅美的存在与意义。河流多是自传体小说的构成骨架，抑或是在现实世界中滋养出抽象的作品: 身份认同，历史和景观的迷思。它的色彩与轮廓似乎永远笼罩在迷雾之中，不经意间显现在那些被滞留与幽魅的地方，使得那些河流的图像演化为超现实主义的诗歌。人为影响下异化的自然景观与河流的静态影像在这浮光掠影间共生。
